Aquí os dejo el resultado:

Intrucciones:

1. Descargar el juego
2. Imprimir el marker
3. Ejecutar y usar el marker para tocar los objetivos.

Partí de tres caricaturas hechas con la Wacom Cintiq, a partir de bocetos a lápiz que posteriormente coloreé y sombreé. Para realizar las diferentes posturas para los distintos fotogramas, utilicé la herramienta Puppet Wrap de Photoshop, que permite articular un objeto para darle una nueva forma, como si de una marioneta o objeto flexible se tratara. Os dejo un tutorial para que veáis como funciona.

Finalmente utilicé flash para crear las diferentes secuencias y  reproducirlas en sincronía con la música, y una vez terminado, exporté el resultado a video.

En cuanto esté listo el video final, lo pongo aquí mismo

En este caso, el proyecto se presentó como la creación de una marca de cerveza artesana y su respectivo nombre, logotipo y etiqueta.

click para ampliar

Se tomó el nombre de Cerberus, por el valor mitológico del mismo y su semejanza con la palabra cerveza. Así en lugar de ser el Cerberus mitológico que custodia las puertas del inframundo, este Cerberus tendría la misión de custodiar las puertas a un mundo de artesanía y calidad.  Y las tres cabezas sirvieron como referencia a los tres pilares de la cerveza: agua, cebada y lúpulo (obviando la levadura, aun siendo importante, pero menos icónica). Por último se añadió el prefijo Artés, buscando por un lado la denominación del origen de la misma, y evitando de paso la confusión con el municipio de Cervera. Se pueden apreciar las referencias a la antigua Grecia, origen del ser mitológico, en las cenefas y la arquitectura del portal.

La ilustración se realizó en Photoshop, a partir de varios bocetos a lápiz.

Aunque por causas diversas el proyecto de colaboración con esta marca acabó por cancelarse, creí que el trabajo hecho no debía quedarse guardado en el fondo de un cajón. Es por esto que me decidí a escribir este post e incluir el trabajo en mi portafolios. Espero que os guste.

Podéis probarlo AQUÍ

Se trata de una especie de postal de presentación que he desarrollado para mostrarle a un cliente algunas de las posibilidades que ofrece la AR:

Tecnologías:

• Flash ActionSctipt 3 (AS3) con FlashDevelop
• Papervision 3D
• Flartoolkit
• Blender (y un poco de Maya)
• Photoshop

Conceptos puestos en práctica:

• Modelado y texturizado.
• Carga de objetos DAE con mapas-UV.
• Texturas pre-renderizadas con transparencias.
• Animaciones y cambios de textura en tiempo real.
• Elementos interactivos.
• Ocultar elementos al detectar el marker.

Musica: Bliss – SaGeRaMa

32x25cm. Papel – Lápiz+Photoshop

De momento queda así, a ver si me animo a colorearlo e integrarlo en un fondo adecuado. Alguna propuesta?

Escaneé y fotografié el resultado para conseguir diferentes brillos y texturas y poder jugar con ellos. Adapté las fotografías a las proporciones de la tarjeta y aplique sobre ella unas textura en forma de textos kanji y  sanscrito (por el Reiki y el resto de influencias orientales de las distintas técnicas). Por último busque una fuente adecuada en dafont.com y tras unos retoques ya tenía el resultado final. Por suerte atrapé una de esas ofertas raras y pude pedir 250 tarjetas en brillo por 20 euritos, así que ahora sólo toca esperar a que lleguen de la imprenta.

De momento se limita a ilustraciones, aunque espero ampliar en breve con el resto de trabajos del resto de aptitudes que he ido adquiriendo con los años: Diseño y programación web, algo de diseño gráfico, juegos y animaciones flash, manualidades (modelado, escultura, bisutería, reciclaje…), dibujo y pintura estilo tradicional, y supongo que algo más que ya decidiré como clasificar. Pero eso será más adelante, por ahora espero que disfrutéis de las ilustraciones:

ACTUALIZADO: También disponibles los trabajos Web

El resultado, podéis verlo aquí abajo. (Foto original y montaje de tarjetas)

Añadí unas sombras a modo de viñeta, y unos brillos rosados y anaranjados para el efecto negativo velado.

Apliqué un par de filtros: histograma para recuperar luminosidad y contraste, y curvas para crear el efecto retro.

El texto tiene un efecto de sombra en modo Overlay para conseguir sombras de color en lugar de grises y tristes.

Paso 1: Diseñar – Dibujar la figura sobre el bloque

El motivo que elegí fue un pequeño zombie cabezón, para intentar que hiciera más gracia que miedo. Así que hice un pequeño boceto directamente sobre el bloque. No intenté darle mucho detalle (aunque al final le di más de la cuenta), ya que al empezar a tallar el bloque, sólo nos interesa el contorno, por que seguramente el resto de los detalles se harán cuando hayamos rebajado unos milímetros. Si no tenéis una copia del dibujo, hacedla YA, porque éste durará poco en el bloque. (Lección aprendida: es mejor hacer el dibujo en papel, calcarlo o copiarlo sobre el bloque y conservar el original siempre a mano).

Paso 2: Esculpir – Definir el contorno de la figura

Empezamos retirando el material del contorno de la figura. Como no disponía de las herramientas adecuadas (un juego de gubias bien afilado), me las apañé con un pequeño destornillador de precisión y un punzón para algunos detalles. (Lección aprendida: Conseguid unas gubias. Y para no destrozaros la mano, colocaos algo de tela o papel a modo de amortiguador en la palma de la mano, donde hagáis la fuerza). Al principio es mejor centrarse en retirar una buena cantidad de material, pero sin acercarse demasiado a los limites del personaje. Así trabajaremos más rápido y evitaremos llevarnos un cacho de figura por delante. Rebajad el contorno tanto como podáis, para conocer con que profundidad vais a trabajar y poder decidir mejor el resto de alturas. Cuando os acerquéis a la figura, tallad en diagonal, de dentro a fuera. Nunca a puntéis hacia el interior de la figura, porque es difícil controlar el tamaño de material que saltará.

Paso 3: Esculpir – Definir detalles de la figura

Ya os daréis cuenta de la cantidad de material de desecho (polvo y virutas de arcilla) que generaréis. El polvo que se acumula en algunas esquinas puede dificultar el trabajo en esta fase, ya que puede tapar algunos detalles y haceros repasar mil veces el mismo punto. Quitad los restos con un pincel viejo, o soplando con fuerza (esto último sólo es recomendable en un estudio, o donde no importe crear una nube de polvo blanco que lo cubra todo). Retirad finas capas de material hasta conseguir la altura deseada de cada parte del modelo. En mi caso tenía tendencia a que los niveles fueran muy planos, sólo redondeado por los laterales (Vigilad con eso a no ser que ya os guste ese efecto). Algunos detalles se hicieron rascando poco a poco con la esquina del destornillador para poder conseguir cantos vivos. Otra manera es hundir un poco la herramienta, y desplazarla en la dirección que se quiere rebajar. El punzón se usó muy poco, sólo para definir algunos huecos más pronunciados.

Paso 4: Esculpir – Toques finales y pulido

Para cortar la parte de bloque que me sobraba, utilicé una sierra de mano para las parte más grandes (limite superior e inferior), y una Dremel con disco de corte para las zonas más detalladas (efecto piedra, cortes en el fondo) (Lección aprendida: los trabajos más bastos es mejor hacerlos antes de tener la pieza casi acabada, ya que el nivel de estrés para evitar rozar sin querer o destrozarlo todo puede ser muy alto). Seguidamente usé el disco de pelos de la Dremel suavemente para retirar todo los restos de polvo y con un poco más de presión para alisar la superficie en las zonas más amplias. Usé una hoja de lija fina para pulir el resto de detalles, y redondear algunas partes que aun necesitaban unos ajustes. Tuve que pasar de nuevo la Dremel para retirar más polvo. Y finalmente, hizo falta un buen soplido para retirar todo lo que quedara suelto (recomendado asomarse a la ventana  y cerrar los ojos) porque a partir de aquí, cualquier resto de polvo molestará, y mucho.

Paso 5: Pintar – Colores base y sombras

Primero definí los dos colores base. Marrón rojizo para el fondo y crudo/hueso para la figura. Sobre el color de fondo, apliqué una capa muy aguada de negro, y retiré los restos con un trapo, quedando oscuras las partes más profundas y algunas otras vetas. Así conseguí un efecto piedra/madera envejecida. El color hueso me sirvió para dar una base clara sobre la que trabajar el resto de colores. Verde amarillento para la piel, con toques más oscuros para las sombras (viva el Azul Prusia), y amarillo muy aguado para las luces. Con los juegos de luces y sombras conseguiréis los volúmenes que quizás no conseguisteis mientras tallabais.

Paso 6 (Final): Pintar – Últimos detalles y barnizar.

Y así es como quedó la figura después de los últimos retoques de color. Di unos toques de amarillo a las zonas de hueso y las ensucié de verde y rojos para darle un toque más… repugnante. Para las letras de 150% Zombie, me inspiré en la tipografía de American Zombie, y le di un poco de efecto relieve. Después un poco de sangre por aquí y por allá (antes una base de blanco para darle brillo)… y listos, ya podía barnizarlo. Utilicé barniz mate, porque el brillante da un aspecto de viscosidad que no me interesaba.

Nada más. El resultado, aunque mejorable, me dejó bien satisfecho. Y me sirvió para aprender varias lecciones para la próxima vez. Espero que os guste y que el paso a paso os sirva para alguno de vuestros proyectos.